HISTORIA DEL CINE EN ESTADOS UNIDOS EN EL SIGLO XX: noviembre 2007

EL CINE EN NORTE AMERICA

"En ocasiones llaman al cine de Estados Unidos, el cine de Hollywood. Y esta expresión se utiliza cuando se habla de un cine extensivo y un sistema de estereotipo en Estados Unidos. La historia del cine se puede dividir en cuatro periodos. El cine mudo, el cine clásico, el nuevo Hollywood y el cine contemporáneo. A inicios del año 1910 el director, David Griffith, junto con un equipo de artista en West Cost, en los Ángeles trataron de producir películas en un terreno vació. Ellos poco a poco se trasladaron a un pueblo cercano, en el cual fundan una compañía. Este lugar se llamaba Hollywood. Después de realizar algunas películas para la compañía Biograg Film Company. Muchos productores se trasladaron a este lugar debido a la situación fácil y barata. Poco a poco se fue extendiendo la industria cinematográfica. Al principio del siglo XX cuando el cine se convertía en un arte nuevo, muchos inmigrantes invirtieron en esta industria y trabajaron en esta zona especialmente los judíos. Ellos, con el transcurso del tiempo encontraron un lugar firme en este estudio. Después de la primera guerra mundial algunos cineastas europeos se han reunido a este equipo, hasta que a mediados de la década 40 en estos estudios se producía cerca de 400 filmes por año"

"En Estados Unidos el cine se presentó por primera vez en público el 23 de abril de 1896, en el Music Hall de Koster y Bial, en New York. La fecha fue significativa, llegó casi al final de la larga cadena entrelazada de inventos e industrialización, que cambió la cultura comercial de la nación en un lapso de medio siglo. Tan sólo en el ámbito de las comunicaciones, el telégrafo, el teléfono, el fonógrafo, la máquina de escribir, la linotipia, la prensa rotativa, y aun cosas tan comunes como la lámpara incandescente, el estilógrafo, el reparto gratuito del correo rural, y la película fotográfica de George Eastman, hecha a base de celuloide flexible (la cual fue vital para el desarrollo del cine), fueron fruto de ese período y tuvieron algo en común: le dieron un gran impulso a la difusión de la información y a la velocidad con la que se propaga. Asimismo, cada uno de ellos sirvió para grandes empresas corporativas, que con su manufactura y sus ventas los pusieron al alcance del público."

http://usinfo.state.gov/esp/home/topics/us_society_values/arts.html

CINE MUDO

Un poco de historia antes de dar a conocer el Cinematógrafo, en diversos países de Estados Unidos y Europa varios inventores están trabajando en varios sistemas que te

nían un objetivo común: el visionado y proyección de imágenes en movimiento. Entre 1890 y 1895, son numerosas las patentes que se registran con el fin de ofrecer al público las primeras "tomas de vistas" animadas. Entre los pioneros se encuentran los alemanes Max y Emil Skladanowski, los estadounidenses Charles F. Jenkins, Thomas Armat y Thomas Alva Edison, y los franceses hermanos Lumière.En la mayoría de los aparatos el visionado de las imágenes sólo se podía hacer de manera individual; el más conocido en esta línea fue el Kinetoscopio de Edison. Por eso, aunque ya desde 1893 ya se dispone de una primeras películas, la existencia del Cinematógrafo como tal no comienza a correr de boca en boca hasta la primera proyección pública que organizan los hermanos Auguste y Antoine Lumière el día 28 de diciembre de 1895 en París, en el Boulevard de los Capuchinos. Las primeras imágenes que proyectan en el pequeño salón causan sorpresa y hasta temor entre los espectadores presentes, alguno de los cuales al ver La llegada del tren a la estación creyeron que se iba a salir de la pantalla y llegaron a levantarse del asiento.

Tras la presentación del Cinematógrafo en París, en otras muchas ciudades europeas y americanas comienza a "presentarse" el nuevo invento. En España la primera proyección la ofrece un enviado de los Lumière en Madrid, el 15 de mayo de 1896. A partir de este año, se sucederán sin interrupción las proyecciones y, con ellas, la demanda de más títulos, con lo que se inicia la producción a gran escala de películas que, poco a poco, van aumentando de duración al igual que mejora la historia que narran.

Durante unos años, los temas de las películas se repiten con cierta frecuencia, y los espectadores se dejan atrapar, sobre todo, por aquellas que les resultan más sorprendentes. En esta línea trabaja en mago francés Georges Méliès que comienza a dirigir una serie de películas que tienen muchos trucos y efectos, imágenes mágicas en las que desaparecen personajes (Escamoteo de una dama, 1896), chocan trenes, crecen los objetos y hasta se puede viajar a lugares desconocidos (Viaje a la Luna, 1902). Esta línea creativa la desarrollará el español Segundo de Chomón, que compite con Méliès en la producción de películas sorprendentes (El hotel eléctrico, 1908). También fueron importantes las aportaciones de los fotógrafos de la Escuela de Brighton, pioneros británicos que sorprendieron por la utilización narrativa de ciertos recursos que dieron fuerza a la historia que contaban, como sucedió con La lupa de la abuela (1900), de James A. Williamson, en donde el punto de vista da mayor expresividad a los hechos que se narran.En Estados Unidos será Edison el máximo impulsor del Cinematógrafo, consolidando una industria en la que desea ser el protagonista indiscutible al considerarse como el único inventor y propietario del nuevo espectáculo. A su sombra van creciendo otros directores como Edwin S. Porter, que logrará dar un paso fundamental en la construcción de una historia con el diseño de una estructura que se centra en "el salvamento en el último minuto" (Asalto y robo de un tren, 1903; película que daba inicio a un género exclusivo americano: el western).http://www.telepolis.com/cgi-bin/web/DISTRITODOCVIEW?url=/1595/doc/definicion/historia.htm

LOS ACTORES MAS INFLUYENTES FUERON:

Chaplin además de genial actor y director de cine es muy famoso por su gusto por las jovencitas. Su primer matrimonio fue con Mildred Harris de 16 años por que ella estaba embarazada. Chaplin contaba con 29 años de edad. Después de divorciarse de ella Chaplin conoció a

una niña de 7 años, Lillita McMurray. Esta comenzó a trabajar en pequeños papeles en sus películas. Mientras crecía la niña y se convertía en una adolescente el director estaba cerca. Con 16 años firmó para protagonizar "La quimera del oro" y su nombre sustituyó al de Edna Purviance en el camerino de los estudios Chaplin. Su nombre se transformó en Lita Grey y comenzó el rodaje. Pero Lita estaba embarazada y tuvo que dejar la película. Nuevamente Chaplin con 35 años se casaba con una joven de 16 años encinta. En 1925 nació Charles Spencer Chaplin y nueve meses y dos días después nació Sidney Earle Chaplin. El litigio del divorcio duró un largo año para Chaplin en el que no pudo trabajar, le costó 628.000 dólares y en su pelo surgieron las canas a pesar de ser aún joven. Años más tarde otra jovencita llevaría a juicio a Chaplin para que reconociese un hijo de ambos. La joven era Joan Barry "la simple". Tras una relación que apenas duró unos meses Chaplin dejó a la joven. Esta no lo recibió muy bien. Montó numerosos espectáculos delante de la casa del director. Pero Chaplin lejos de ablandarse llamaba a la policía para que la alejaran de él. Un día Joan llamó a Hedda Hopper acérrima enemiga del director además de periodista cotilla, para decirle que estaba embarazada del actor y que este la había arrojado de su casa. Apoyada por la periodista la actriz llevó a Chaplin ante el juez. Este a pesar de que las pruebas de sangre mostraban que Chaplin no era el padre de la niña dictaminó que debía pagar la manutención del bebe. Todo esto transcurría mientras Chaplin de 54 años comenzaba a salir con la que sería su última y definitiva mujer Oona O´Neil de 18 años.http://www.telepolis.com/cgi-bin/web/DISTRITODOCVIEW?url=/1595/doc/actores/actor.htm

Eran una de las parejas románticas más famosas de la época. Pero para todos era ella más masculina que él y ni sus respectivos matrimonios con Virginia Valli y el modisto Adrian sirvieron para acallar los rumores sobre la homosexualidad de ambos. Haber trabajado tres veces con Murnau que elegía a sus actores entre la colonia gay de actores tampoco ayudó.

Actor cómico descubierto por Sennet se hizo famoso cuando sucedió a Harol LLoyd en una serie de películas cómicas de Hal Roach. Luego dirigió cortometrajes en la Columbia. Murió joven con 47 años. Hermano del director John Parrot, Chase es uno de los precursores del género cómico

Edna Purviance fue la primera compañera oficial de Charles Chaplin. Con él trabajo hasta "La quimera del oro" donde Chaplin cambiaría de actriz. Después de eso su carrera declinó y realizó sus últimos trabajos en Francia. Chaplin tuvo en nómina de sus estudios a Edna durante toda su vida fue descubierta por Charles Chaplin en una cafetería. Desde entonces se convirtió en una de las primeras heroínas en las películas de Charlot. Aunque fue desbancada con la llegada de Lita Grey a la vida del director, siempre la mantuvo en la nómina del estudio United Artists que creó con Griffith, Fairbanks y Pickford, hasta la muerte de la actriz.

Emil Jannings comenzó su carrera en Europa donde consiguió sus mayores éxitos. Luego se trasladó a Hollywood donde inició su carrera entre loas actores mejor pagados de la meca del cine, para declinar con el sonoro debido a su fuerte acento. De él se decía que guardaba el dinero que ganaba en su almohada salvándose de perderlo todo en el crack de la bolsa como otros de sus compañeros.

Douglas Fairbanks era el indiscutible Rey de Hollywood en los inicios del cine. Con Mary Pickford formaron el matrimonio más envidiado de EE.UU. Durante el rodaje de "Robin Hood" el sastre le pidió una indemnización por haberle clavado en el trasero una flecha durante una toma.

Gloria Swanson y Joseph Kennedy se conocieron y se hicieron amantes de inmediato. Ella era la gran estrella de la Paramount y él un millonario que había iniciado una corta pero fructífera carrera en el mundo del espectáculo. Kennedy puso su dinero y esfuerzo en una película en la que ella brillaría más que nunca. La película la dirigiría Von Stroheim y se llamaría "El pantano". El director fue despedido, la película que pasó a llamarse "La reina Kelly" no se concluyó y se perdió una muy importante cantidad de dinero. Este fue el inicio del fin del más rutilante adulterio de la época dorada del cine. Su primera prueba como actriz había sido frente a Charles Chaplin que la rechazó por no ser apta para la comedia. No fue el único rechazo. Dicen que en una ocasión siendo ya una estrella se disfrazó con una peluca rubia y se presentó a una prueba donde fue rechazada.

Harold LLoyd tras ser descubierto por Hal Roach y haber protagonizado muchas comedias para él se independizó y fue en ese momento cuando creó su personaje de joven con gafas de concha que tan popular le hizo. Sus acrobacias fueron su fuerte y aunque sin ser tan creativo como Chaplin o Langdon se mantuvo entre las estrellas de cine mudo. Luego, con el sonoro, su carrera como actor decayó pero siempre fue respetado y admirado en EE.UU. por el gran actor que fue.
Janet Gaynor
Eran una de las parejas románticas más famosas de la época. Pero para todos era ella más masculina que él y ni sus respectivos matrimonios con Virginia Valli y el modisto Adrian sirvieron para acallar los rumores sobre la homosexualidad de ambos. Haber trabajado tres veces con Murnau que elegía a sus actores entre la colonia gay de actores tampoco ayudó.

John Barrymore junto a su hermanos Lionel y Ethel constituyen una de las familias más importantes de la interpretación en el cine y en el teatro. Se les conocía como "la familia real de Brodway". Nunca amaron el cine y sólo lo hacían por dinero. Coincidieron únicamente en la película "Rasputín y la zarina". Aunque todos tuvieron problemas con el alcohol y las drogas el más perjudicado fue John que murió de cirrosis como su hija. Su otro hijo es un alcohólico que vive como un vagabundo mendigando. Su nieta Drew era alcohólica a los nueve años. En este último caso parece ser que ha podido remontar una adolescencia salvaje y en la actualidad es una importante actriz y productora con éxito. De John Barrymore se dice que durante el terremoto de San Francisco estaba tan borracho que al día siguiente apareció con su maleta diciendo que cambiaba de hotel por que era imposible dormir por el jaleo del hotel. En sus contratos siempre se especificaba que no comenzaría a trabajar hasta las 10 y media de la mañana.

John Gilbert fue el astro mejor pagado de 1928. Eso da muestra de su popularidad. Era el amante de Greta Garbo, tenía éxito y ganaba mucho dinero. Con el crack de la bolsa perdió todo su dinero, acabó su romance con la Garbo y se casó por despecho con Ina Claire y en su primera película sonora fallos en el sonido hicieron de su voz un "hiriente quejido metálico". (Se dice que los problemas de sonido fueron provocados por orden de Mayer que quería acabar con la carrera del actor. El motivo un puñetazo que el actor le dio al magnate en un urinario cuando este se río de su romance con la Garbo.) Sin dinero, sin el apoyo de la crítica y del público y con la carrera de su esposa en ascenso, el ego de Gilbert se deterioró gravemente. En sus últimos años el único apoyo profesional lo encontró en su gran amor, Greta Garbo. Creyendo firmemente que él era mejor actor que muchos de los galanes cono los que estaba trabajando boicoteaba las pruebas de casting que los actores hacían con ella para que el papel se lo dieran a Gilbert. Esta se encargó de que interpretara el papel co-protagonista en su película "La Reina Cristina" aún sabiendo de su adicción al alcohol que le llevó a la muerte en 1936.

Langdon quizás no sea tan conocido como Charles Chaplin o como Harold Lloyd, sin embargo en algunos aspectos fue muy superior a ellos. Creó un personaje apocado, con temor al sexo femenino y un lado netamente poético y realizó junto a Capra tres películas que se encuentran entre las joyas del séptimo arte.

Lilian Gish era la musa de Griffith. En su película "Las dos tormentas" estuvo tres semanas filmando sobre un lago helado con un fino vestido. Con la aparición del cine sonoro se retiró por que su imagen de heroína ingenua y romántica había pasado de moda. Ya anciana protagonizó una hermosa película con Bette Davis "Las ballenas de agosto". Bette sentía envidia de Lilian porque aunque era más joven, la enfermedad le hacía aparecer más vieja que la gran diva del cine mudo

Lili Damita además de importante actriz en la época del cine mudo es más conocida por su tormentoso matrimonio con Errol Flynn. Estar casada con el famoso actor no le impidió tener otras relaciones como la que mantuvo con Marlene Diettrich.

Linder durante la época del cine mudo fue actor y director de numerosas películas cómicas. Con un gran talento es el creador del gag cómico. Todos los grandes cómicos como Chaplin, Harold Lloyd o Keaton, le llamaban profesor

Lon Chaney fue el actor de las mil caras. Tanto en la era del cine mudo como posteriormente con el cine sonoro Chaney triunfó por que su fuerte era el gesto. Sus complicados maquillajes no impedían que manifestara una gran gama de emociones en todos los personajes que interpretó. Desde el jorobado de Notredame, su papel más recordado, hasta el fantasma de la ópera, toda una galería de personajes deformes o monstruosos que cobraban vida en él. Tuvo que rechazar el papel de Drácula por enfermedad. Fue esta la que se lo llevó con tan sólo 47 años. Su hijo que tomó el nombre artístico de Lon Chaney Jr. no llegó a las cotas de calidad y reconocimiento de su padre. El listón estaba demasiado alto. Salvo con "El hombre lobo" no tuvo mucha suerte en su carrera y terminó en el olvido. La vida de Lon Chaney sería recreada en la pantalla por James Cagney años más tarde en la película "El hombre de las mil caras".

Louise Brooks que había sido una de las más rutilantes estrellas del cine mudo pasó de la pantalla a despachar como dependienta en los almacenes Macy´s. Su peinado fue uno de los más imitados de la época y ahora ha sido imitado por Catherine Zeta Jones en la película "Chicago" que recrea aquellos vibrantes años. Los títulos más importantes los realizaría en Francia donde años más tarde se le reconocería su gran talento como actriz. Tuvo muchas relaciones, con Chaplin entre otros.

Mabel Normand comenzó trabajando como actriz en las películas de Sennet. Este también le ofreció la oportunidad de dirigir en su productora. Magnifica actriz cómica su carrera terminó debido a un asesinato en el que se vio involucrada. Cuando William Desmond Taylor, jefe supremo de la Players-Lasky, compañía subsidiaria de la Paramount, fue asesinado Mabel fue avisada de su muerte antes que la policía. Entonces se precipitó a la casa de Desmond para recuperar unas cartas de amor que le había enviado. Cuando al fin llegó la policía la encontró aún buscándolas. Las cartas se encontraron en una de las botas de montar de la víctima. Mabel Normand era una popular cocainómana y Desmond un ferviente luchador contra la droga. Esto y su relación sentimental hicieron de la actriz una sospechosa del crimen. Que el asesinato jamás se resolviera no ayudó a calmar el escándalo. En 1927 se retiró del cine y en 1930 murió de tuberculosis.

Marion Davis además de ser una estrella del cine mudo también y por lo que es más famosa es por ser la amante de William Randolph Hearst el multimillonario parodiado en la película de Orson Welles "Ciudadano Kane". Se dice que "Rosebud" la famosa palabra que se menciona durante toda el film era la forma en que Hearst llamaba a las partes más íntimas de Marión Davies. Ella tenía 16 años y Hearst 60 cuando se conocieron. Desde entonces formaron la pareja extramatrimonial más sólida de Hollywood. Pero Hearst era muy celoso y Marion gustaba de mantener relaciones paralelas. El caballero del que Hearst sospechaba era Chaplin. Para disipar sus sospechas invito a este junto con otros amigos a su barco el Oneida para lo que iba a ser un fin de semana de diversión. Entre los invitados estaban Louella O. Parsons y Tom Ince, pionero productor y realizador considerado el padre del western. De lo que ocurrió en el viaje nunca se supo nada con certeza. lo único que es bien sabido es que Tom Ince salió cadáver del barco. Se trató de vender su muerte como natural provocada por una repentina y desconocida enfermedad. Sin embargo había testigos del que el cadáver salió del barco con una herida de bala en la frente. Aunque hubo una investigación el resultado de esta fue muerte natural. Louella Parsons que cuando subió al barco era una joven periodista de Nueva York de visita en Hollywood fue contratada por Hearst para trabajar en sus publicaciones de por vida. Desde allí se convirtió en la reina del periodismo cinematográfico destruyendo carreras con sus comentarios. Lo que se rumorea que sucedió es que Hearst creyendo que Marion se encontraba con Chaplin a sus espaldas le disparó con su revolver a la cabeza. El disparo fue mortal pero el muerto no era Chaplin sino Ince de gran parecido con el actor pero que ni muchos menos estaba seduciendo a Marion. El error fatal fue encubierto por el poder y el dinero de Hearst. La viuda de Ince recibió una importante cantidad de dinero y ningún invitado habló jamás de lo que de verdad allí ocurrió.

Mary Astor solía escribir desde niña todo lo que le ocurría en un diario. En 1935 su marido lo descubrió y pudo leer en sus páginas como desde hacía meses su mujer le era infiel con el comediógrafo George S. Kaufman. No sólo describía todas las citas que habían tenido sino que relataba con todo lujo de detalles la pericia de su amante y todas sus sensaciones. El marido humillado pidió el divorcio y la custodia de su hija. Aunque el juez rechazó el diario como prueba en el juicio el marido lo llevó a la prensa que se encargó de airear su erótico contenido. A pesar de ello Mary consiguió la casa y la custodia de la niña. El diario fue quemado ya que se consideró pornográfico. Tras esto su carrera no solo no se derrumbo como hubiese ocurrido antes del crack de la bolsa sino que Mary Astor triunfó con su papel de malvada seductora en "El halcón maltés".

Mary Miles Minter. Mary era una muy joven actriz que intentaba competir con Mary Pickford en papeles de jovencitas virginales. Pero la joven mantuvo un romance con el maduro productor que quedo al descubierto con el asesinato de este. En la investigación se descubrieron cartas amorosos escritas por la actriz, ropa interior de la joven guardada celosamente por la víctima y se descubrió que la madre de la actriz también mantenía una relación amorosa con Desmond Taylor a la vez que su hija. Ambas fueron consideradas sospechosas del crimen pero nunca se supo quien fue el o la responsable del asesinato. La carrera de la actriz después de descubrir su azarosa vida sentimental no pudo continuar dando la imagen de ingenua, virginal e inocente jovencita. Eran los primero escándalos del mundo del cine y no se lo perdonaron a los involucrados.

Mary Pickford era la novia de América durante los inicios del cine mudo. Casada con el rey de la pantalla, Douglas Fairbanks y creadora junto con él, Griffith y Chaplin de la United Artists, fue una de las actrices más influyentes de la época como pocas lo han sido después. Pero sobre todo era famosa por su rostro angelical, su imagen dulce y sus trenzas. Lo que pocos sabían era que esas trenzas eran postizos procedentes de un burdel de Los Ángeles.
Mary Prevost
Tras una carrera espléndida en el cine mudo donde fue una de las vampiresas Marie Prevost fracasó en el cine sonoro debido a su voz. A partir de ahí el alcohol la acompañó. Debido a un problema de sobrepeso se sometió a un régimen demasiado estricto que le provocó la muerte en 1937. Falleció sola en un andrajoso apartamento siendo encontrada días después. Su perro salchicha sobrevivió comiéndose a su ama en trocitos. Un trágico fin para una gran estrella.

Mildred Harris sólo tenía 14 años cuando conoció a Chaplin de 29 años. Allí se inició una relación que culminaría dos años después cuando debido a un embarazo se casaron. El niño nació deforme y murió a los tres días y la madre estuvo también a punto de morir al dar a luz. A partir de ahí Mildred iniciaría una corta carrera en Hollywood a costa del nombre de su muy famoso marido. A Chaplin este tipo de publicidad nunca le gustó y las rencillas en su matrimonio terminaron en divorcio entre recriminaciones de crueldad y adulterio.

Paulette Goddard conoció con 19 años a Chaplin. Se casaron y él la hizo protagonista de dos de sus mejores películas "Tiempos modernos" y "El gran dictador". Su carrera no terminó con el cine sonoro donde también hizo grandes interpretaciones. Fue una de las candidatas a Scarlette O´Hara en "Lo que el viento se llevó". Pasó el final de sus días en una casa en Suiza muy cerca de la que tenía y en donde vivía Charles Chaplin.

Pola Negri después de triunfar en Alemania de la mano de Lubitsch fue llamada por Hollywood donde se llevó al prestigiosos director. Mientras el triunfó la carrera de ella declinó con la llegada del sonoro. Su fuerte acento no supero la criba. Pola volvió a Europa donde se comentó que fue amante de Hitler, lo que ella siempre negó. LOs que si fueron sus amantes son Chaplin o Valentino. En el funeral de este último se presentó teatralmente, llorando y gritando de dolor. Sin duda fue la primera gran actriz europea que triunfó en Hollywood.

Era un rollizo fontanero hasta que Sennet le descubrió y le ofreció trabajar en sus películas. Así se inició una carrera brillante y llena de éxito dentro de la comedia. A Fatty lo que más le gustaba además de hacer reír al público era el alcohol y las mujeres y todo en grandes cantidades. Sin embargo una brillante trayectoria en el cine se vio truncada cuando Fatty en una de sus muy excesivas fiestas violó y provocó la muerte de Virginia Rappe. Esta murió por una peritonitis provocada por la introducción de una botella en sus órganos sexuales de una forma brutal. Aunque tras tres juicios Arbuckle fue absuelto no volvió a actuar nunca más. Abandonado por casi todos y amargado terminó sus días alcoholizado y arruinado. Murió a los 46 años. Este fue el primer gran escándalo en Hollywood pero no el último.

Stan Laurel y Oliver Hardy unieron sus carreras para formar el dúo cómico más famoso de la historia del cine. Su estilo era muy visual y pudieron dar el paso al sonoro sin problemas. Estuvieron juntos desde 1926 hasta 1951. Sus mejores trabajos los realizaron bajo la producción de Hal Roach. Cuando declinó su trabajo en el cine siguieron trabajando en el vodevil donde habían comenzado. Siempre fueron grandes amigos. Oliver tuvo una vida personal bastante sosegada mientras que Stan se casó 5 veces, dos veces con la misma mujer.

Theda Bara está considerada la primera Reina del sexo en las pantallas. Aunque no se conserva más que una de las numerosas películas que rodó, por fotografías sabemos de su imagen sensual y provocativa que le hizo famosa. De origen egipcio y francés se decía de ella que muchos hombres se habían suicidado por su amor. Cuando su carrera empezaba a decaer se retiró. Fue la primera en interpretar a Salomé, Carmen, Madame du Barry o Cleopatra y es muy triste que no podamos disfrutar de estas primitivas y quizás ingenuas para nosotros interpretaciones

W. C. Fields debutó con Sennet. Era el más grande cómico burlesco del cine mudo. Su mejor interpretación fue en la película "David Copperfield". En los rodajes siempre llevaba una petaca con martini que hacía pasar por zumo de piña

William Haines tuvo una brillante pero breve carrera en Hollywood. Aunque era conocido de todos su homosexualidad, esto no era muy bien visto entre los grandes jefes de los estudios, Haines trabajó durante años para Mayer con estrellas como Joan Crawford, Mae Murray, Marion Davies, Norma Shearer o Mary Pickford. Cuando fue detenido por la brigada contra el vicio en un hotel con un marinero su carrera de actor terminó.

Will Rogers fue la más famosa estrella en los westerns mudos por su pericia a caballo y su facilidad para manejar el lazo. Fue el símbolo nacional de integridad y optimismo. A pesar de su pequeña estatura era un ídolo para todos por su valor y coraje. Pero este valeroso vaquero tenía una obsesión la pequeña Shirley Temple. Este amor desatado le llevó a hacer una agujero para mirar en el camerino de la pequeña actriz. Murió en un accidente de aviación.

CINE SONORO

El cine sonoro provoca una revolución, se producen cambios importantes, los actores no saben hablar a la cámara por que no tienen una voz apropiada y tendrán que reducir sus gestos. Esto se refleja magistralmente en "Cantando bajo la lluvia 1952". Uno de los más afectados por este cambio es Charles Chaplin, que desde un principio no necesitó del sonido para formarse como actor y del que son conocidas sus quejas ante su incorporación en sus películas.
En 1929 se produce el crack de Nueva York y afecta al cine sonoro proporcionándole de un nuevo tema de éxito; el gangsterismo. El género resulta muy atractivo porque, gracias al sonido, sorprenden los tiroteos, las persecuciones, derrapes... Tendrá gran expectación en los años 30. Pero en estos años también se puede ver otro tipo de cine más ligero; los musicales junto a las películas elegantes (también llamadas de teléfono blanco). Se introducen desde la propia industria los códigos morales y la censura debido a la violencia y a las chicas de los cabarets.

En 1926 la productora Warner Brothers introdujo el primer sistema sonoro eficaz, conocido como Vitaphone, consistente en la grabación de las bandas sonoras musicales y los textos hablados en grandes discos que se sincronizaban con la acción de la pantalla. En 1927, la Warner lanzó El cantor de jazz, de Alan Crosland, la primera película sonora, protagonizada por el showman de origen ruso Al Jolson, que alcanzó un éxito inmediato e inesperado entre el público. Su eslogan, sacado del texto de la película “aún no has oído nada”, señaló el final de la era muda. Hacia 1931 el sistema Vitaphone había sido superado por el Movietone, que grababa el sonido directamente en la película, en un banda lateral. Este proceso, inventado por Lee de Forest, se convirtió en el estándar. El cine sonoro pasó a ser un fenómeno internacional de la noche a la mañana.

LAS PRIMERAS PELICULAS HABLADAS

La transición del cine mudo al sonoro fue tan rápida que muchas películas distribuidas entre 1928 y 1929, que habían comenzado su proceso de producción como mudas, fueron sonorizadas después para adecuarse a una demanda apremiante. Los dueños de las salas se apresuraron también a convertirlas en salas aptas para el sonoro, mientras se rodaban películas en las que el sonoro se exhibía como novedad, adaptando obras literarias e introduciendo extraños efectos sonoros a la primera oportunidad. El público pronto se cansó de los diálogos monótonos y de las situaciones estáticas de estas películas, en las que un grupo de actores se situaba cerca de un micrófono fijo.

Tales problemas se solucionaron en los inicios de la década de 1930, cuando en varios países un grupo de directores de cine tuvieron la imaginación necesaria para usar el nuevo medio de forma más creativa, liberando el micrófono de su estatismo para restablecer un sentido fluido del cine y descubrir las ventajas de la postsincronización (el doblaje, los efectos sala y la sonorización en general que sigue al montaje), que permitía la manipulación del sonido y de la música una vez rodada y montada la película. En Hollywood, Lubitsch y King Vidor experimentaron con el rodaje de largas secuencias sin sonido, añadiéndolo posteriormente para resaltar la acción. Lubitsch lo hizo suavemente, con la música, en El desfile del amor (1929), y Vidor con el sonido ambiente para crear una atmósfera natural en Aleluya (1929), un musical realista interpretado íntegramente por actores afroamericanos cuya acción transcurre en el sur de Estados Unidos. Los directores comenzaban a aprender a crear efectos con el sonido que partía de objetos no visibles en la pantalla, dándose cuenta de que si el espectador oía un tictac era innecesario mostrar el reloj.

Los guionistas Ben Hecht, Dudley Nichols y Robert Riskin comenzaron a inventarse diálogos especialmente elaborados para la pantalla, a los que se despojaba de todo lo que no fuera esencial para que sirvieran a la acción en vez de estorbarla. El estilo periodístico rapidísimo que Hecht preparó para Un gran reportaje (1931), de Lewis Milestone, contrasta con las ingeniosas réplicas que escribiría para la obra de Lubitsch Una mujer para dos (1933). Nichols, por su parte, destacó por sus diálogos claros, sin ambigüedades, en películas como María Estuardo (1936), de John Ford. Riskin se hizo famoso por sus personajes familiares en las películas de Frank Capra, entre ellas Sucedió una noche (1934), protagonizada por Claudette Colbert y Clark Gable.http://mx.encarta.msn.com/encyclopedia_761567568_5/Historia_del_cine.html

CINE CLASICO

CINE DE LA II GUERRA MUNDIAL

Otro gran momento de impacto en el cine sería la II Guerra Mundial. El cine está condicionado por la propia circunstancia de la guerra. Esta supondría el gran boom del cine de propaganda, por lo que durante la guerra el cine se convertiría en un instrumento para propagar ideologías políticas.
Este cine tendrá distintos destinos; interno y externo. El fin siempre es patriótico, es decir, apoyar el esfuerzo de la guerra, convirtiéndola en un acto justo. La retaguardia de las naciones se mantiene en combate, gracias a que el cine afianza la idea de que su país está haciendo justicia en el campo de combate. Esto tiene efecto en los países neutrales; la propaganda se pone de manifiesto en países que no participan en la guerra para convencerles de que es justo lo que se hace. Por lo tanto, las películas de esta época tienen dos fines y son de dos tipos; de propaganda y de argumento (con un mensaje propagandístico de fondo).

Se producirá el nuevo éxodo de cineastas europeos a Estados Unidos, perjudicando la industria europea y ensalzando la americana. Los motivos de esta migración son, o bien por ser judíos, o expulsados del país. El cine alemán marcará las pautas para la propaganda. Los nazis proyectarán en los cines la ocupación de Polonia y Francia. A su vez, en la industria americana florecen directores clásicos como Capra o Wilder.

Acabada la guerra, Europa esta sumida en una crisis económica que impide a la industria cinematográfica seguir a la americana. Hay que añadir que, con la aparición de la televisión (en EE.UU. en 1947 y en Europa en 1950), el cine en general sufre una gran crisis.

Desparece el cine informativo y el de propaganda, y los documentales se realizan con fines televisivos. La excepción es España, en la que Franco retrasa la entrada de la televisión hasta 1960 por no considerarla importante. El NO-DO, que es un noticiario documental, se proyectará en los cines desde 1942 hasta 1975 porque el dictador lo considera de gran influencia para el pueblo.

En la industria americana aparecen otros adelantos, Eastman color es un nuevo proceso para filmar en tres colores y por lo tanto se podrá optar entre el Technicolor y el Eastman. Pero el verdadero adelanto que hizo al cine más "grandioso" fue el descubrimento del proceso de pantalla ancha Cinemascope en 1953, y que hizo posible la majestupsidad de muchos de los planos de Ben-Hur (1959). Y, aunque parezca imposible, en 1952 ya se podían ver las tres dimensiones en Bwana Devil. Estaba claro que la aparición de la televisión doto al cine de innovación e investigación que fue acertada en muchos casos pero exagerada en otros como el Smell-o-vision, sistema por el cual los olores acompañaban a la película.

Y atrás quedará la reacción pasotista del cine frente a la televisión, con la creencia de que iba a ser una moda pasajera. Las productoras prohibieron a su personal que trabajara en televisión para evitar desprestigiarse. Walt Disney fue la única que no tuvo inconveniente considerando que el invento tendrá éxito. Y lo tuvo de tal modo que se convirtió en el medio de comunicación líder en poco tiempo.

Hasta aquí llega la historia del cine clásico, y lo que continua es otra historia totalmente diferente, que depara nuevos adelantos y acontecimientos al cine. No por ello pierde su interés, sino que crece. Aparecerán nuevos directores, nuevos actores y mejores técnicas, pero siempre quedará la esencia del cine clásico. De los efectos visuales de Meliès a los de Dreamworks hay todo un mundo, pero cada uno ha surgido en un contexto completamente distinto, enganchándonos a la imagen proyectada.

Las historia que cuentan son realidades que ha terminado por diferenciarse mucho... "Pero siempre nos quedará París". No habrá otro Bogart, pero también añoraremos a un Robert de Niro o a un Al Pacino.

LOS ACTORES MAS INFLUYENTES DE LA EPOCA FUERON:

Cary Grant, el encantador

Nacido en Inglaterra pero nacionalizado norteamericano en 1942, Archibald Alexander Leach ha pasado a la historia del cine, ademas de por su nombre artistico, Cary Grant, y de sus dotes interpretativas y gran atractivo, por su encanto y elegancia. Encarna al tipico caballero y, aun cuando su pelo se nevo y se volvio completamente blanco en su senectud, conservaba esa elegancia y ese brillo indiscutible de los grandes hombres.

Versatil y apto para la comedia, el drama, el suspense o cualquier otro genero, Cary Grant nacio en Bristol, Inglaterra, el 18 de enero de 1904. Su infancia no fue excesivamente feliz, ya que su madre fue ingresada en un psiquiatrico cuando el chico tenia 9 años -no volviendola a ver hasta que el cumplio los 20-, e incluso tuvo que soportar la expulsion de su escuela cuando era un adolescente de 14. A esa temprana edad se incorporo a una compañia de teatro, todavia usando su verdadero nombre, y con la que en 1920 llego a los Estados Unidos. Ya en 1931 aterriza en Hollywood y decide cambiar su nombre por el de Cary Grant, mucho mas corto y sonoro. Mae West se convierte en su mentora, pues, a pesar de que Cary ya estaba rodando muchas peliculas, los que obtenia eran siempre papeles bastante cortos. La vampiresa exigio que Cary fuera su pareja en peliculas como Lady Lou o No soy un angel.

Katharine Hepburn, torbellino de pasion
Nacida el 12 de mayo de 1907 en Hatford, Connecticut, Katharine Houghton Hepburn, descendiente de una familia de origen irlandes, fue la segunda de seis hermanos. Su padre era cirujano y su madre, gran activista en pro de las mujeres, abogada. Fue criada en un ambiente liberal y defensor de los derechos de la mujer, lo cual le marco durante toda su vida. La muerte por ahorcamiento de su hermano Tom, muy querido por ella, fue uno de los hechos que mas profundamente la marcaron en su vida. Tom tenia 15 años y ella, que descubrio el cuerpo.
Aunque Kate se matriculo en la carrera de Fisicas, a ella realmente lo que le gustaba era el teatro y la interpretacion, y de hecho, de vez en cuando intervenia en obras teatrales, siendo en 1928 cuando por primera vez pisa la escena en Broadway. Precisamente en ese año se caso con Lodlow Olden Smith, divorciandose en 1934. Actuando en Broadway, al ser vista por dos cazatalentos, falto poco para debutar en el cine de la mano del gran George Cukor. Bajo las ordenes de este director rodo su primera pelicula en 1932, Doble sacrificio, junto a la estrella del momento John Barrymore.

EL COMUNISMO EN HOLLYWOOD

Se denominó "Caza de Brujas". En 1947 el Comité de Actividades Antiamericanas, comenzó una investigación sobre el comunismo en Hollywood. Diez hombres fueron juzgados, condenados y sentenciados a prisión poco después de que el Tribunal Supremo se negara a escuchar su caso.
A partir de haí, cualquier persona llamada a declarar bien en publico o en privado, no podia trabajar, a no ser que satisfacieran los deseos del Comité e informara sobre aquellas personas que creian ser comunistas. Lo que llevó a diferentes personalidades de reconocido prestigio dentro de la Industria del Septimo Arte a emigrar de América, refugiandose sobre todo en los países de Europa.La llamada "lista negra de Hollywood" acabó con cientos de profesiones y miles de personal que tubieron que ocultarse o refugiarse en el exilio

20 Años después fueron reevindicadas sus creencias.
La llamada "Caza de Brujas" del senador de Wisconsin Joseph R. McCarthy es uno de los fenómenos más oscuros de los Estados Unidos en el siglo XX. Se trata de un fenómeno típico de la Guerra Fría, de la división entre dos bloques (el capitalista, liderado por los Estados Unidos, y el comunista por la Unión Soviética), iniciada tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Malas lenguas dicen que fue para combatir el excesivo liberalismo del "New Deal" de Harry Delano Roosvelt en la década anterior pero en realidad los dardos iban dirigidos contra los comunistas de Hollywood a los que se trató de eliminar de la industria cinematográfica. Ya en octubre de 1947 fueron llamados a declarar diez cineastas, los "Diez de Hollywood", quienes al negarse a responder a las preguntas fueron condenados a un año de cárcel.
En 1951 se reavivó la investigación a resultas de la cual unas 214 personas perdieron su empleo en el mundo del cine. 106 guionistas, 36 actores y 11 directores, más otros técnicos. Muchos emigraron a otros países, entre ellos Charlie Chaplin, y otros quedaron condenados al ostracismo.

Larry Parks ("La diosa de la danza"), su mujer Betty Garrett ("Un día en Nueva York"), Zero Mostel ("Golfus de Roma"), John Robenson ("Magnolia", 1936), entre otros, desaparecieron de las pantallas durante muchos años, algunos para siempre.

Fue una tragedia que traumatizó Hollywood durante el resto del siglo XX. Sin embargo no hay que olvidar que en la Unión Soviética, durante el mandato de Stalin, veintiún millones de personas perdieron la vida por oponerse al sistema político defendido por los cineastas arriba mencionados. Estos asesinatos masivos han sido olvidados por los actuales cineastas de Hollywood, como Steve Spielberg tan sensible al Holocausto de los judíos perpetrado por Hitler en la misma época y tan insensible a esta tragedia no menos dolorosa.

Estas no han sido las únicas "Caza de Brujas" que ha padecido nuestro planeta a lo largo del siglo XX, el más violento de todos los siglos de la Historia, sino que muchas más se han producido y sin embargo se han ignorado.

"En ocasiones un dogma social o político, no solo puede separar a una Industria en dos bandos, si no que además es capaz de dividir a una Nación, un grupo de amigos e incluso una Familia".

F:\Cine Clásico Punto Com - Historia de Hollywood - El comunismo en Hollywood.htm

CINE CONTEMPORANEO

Esta nueva idea del negocio la consolida George Lucas cuando dirige La guerra de las galaxias (1977), todo un fenómeno cinematográfico —toda la saga- que se transforma en otro sociológico y de mercadotecnia. En este sentido también sorprende el éxito de Titanic (1997), de James Cameron, de The Matrix (1999), de Larry y Andy Wachowski, o los éxitos de El señor de los anillos. La comunidad del anillo (2001), de Peter Jackson, y Harry Potter y la piedra filosofal (2001), de Chris Columbus. Pero los grandes éxitos no pueden ocultar otras fracasos; quizás los más sonados fueron los de La puerta del cielo (1980), de Michael Cimino, y Waterworld, el mundo del agua (1995), de Kevin Reynolds.

El cine del último tercio del siglo XX fue básicamente espectáculo, producciones que supieron aprovechar el tirón de series impulsadas por Steven Spielberg —uno de los grandes empresarios de Hollywood, además de gran director- y un grupo de directores que fueron consolidando su carrera a su sombra en películas diversas (En busca del Arca perdida, 1981; Regreso al futuro, 1985; Parque Jurásico, 1993; Los Picapiedra, 1994; Forrest Gump, 1994; y mucho cine de animación: ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, 1988; Antz/Hormigaz, 1998; Shrek, 2001). Espectáculo muy vinculado a las historias catastróficas (desde Aeropuerto, 1970, hasta Armageddon, 1998), al cine de terror sorprendente, paranormal, llegado del espacio (El exorcista, 1973; Poltergesit, fenómenos extraños, 1982; Alien, el octavo pasajero, 1979; El sexto sentido, 1999), la comedia e historias de terror juvenil (American graffiti, 1973; Scream: vigila que alguien llama, 1996; el proyecto de la Bruja de Blair, 1999), el cine bélico, histórico y político (Patton, 1970; Apocalypse Now, 1979; Salvar al soldado Ryan, 1998; Black Hawk derribado, 2002), la comedia familiar, romántica y disparatada (Solo en casa, 1990; Algo pasa con Mary, 1998; El diario de Bridget Jones, 2001; Aterriza como puedas, 1980; Loca academia de policías, 1984). Las nuevas herramientas tecnológicas, los nuevos hábitos de consumo de productos audiovisuales conducen a que el mundo del cine indague en todo lo que tiene que ver con la electrónica, la realidad virtual, la televisión, Internet y el mundo del videojuego. Desde Tron (1982), de Steven Lisberger, hasta El show de Truman (1998), de Peter Weir, eXistenZ (1998), de David Cronenberg, y The Matrix (1999, de los hermanos Wachowski, son tanto los temas de actualidad que se convierten en cotidianos a través de las historias que se construyen para el cine. Además toda la tecnología permite realizar a través de ordenador las nuevas producciones de animación que abordan diversos Estudios (Disney, Fox, Pixar, Dreamworks, etc.).

Frente a todo este despliegue de fuegos artificiales, el cine tradicional consigue encontrar su hueco. Directores clásicos como Billy Wilder o Robert Altman, y otros intermedios como Francis Ford Coppola, William Friedkin, Woody Allen o Clint Eastwood, trabajan activamente al lado de otros más jóvenes y renovadores como Jim Jarmusch, Tim Burton, Steven Soderbergh y los hermanos Coen. Y todos ellos, dan entrada a las nuevas estrellas cinematográficas como Tom Cruise, Julia Roberts, Jodie Foster, Kevin Costner, Arnold Schwarzenegger, Harrison Ford, Sylvester Stallone, Sharon Stone, Brad Pitt, Bridget Fonda o George Clooney, entre otros muchos; el más vivo retrato del nuevo Hollywood.

http://www.espanolsinfronteras.com/Lengua%20Castellana%20-%2004%20Md.%20de%20C.%2003%20-%2002%20-%20Historia%20del%20cine.htm#1.15_El_cine_estadounidense_contemporáneo_

Los cambios que se aprecian en las películas de finales de los sesenta son suficientes para que el Hollywood clásico entienda que ha quemado sus últimos cartuchos. Los productores tienen otro estilo, los directores se adentran plenamente en el negocio audiovisual, los actores demandan mayores honorarios, el consumo del cine ya no es en la sala o a través de la televisión, pues el vídeo ofrece otra ventana de comercialización. La tecnología avanza tan rápido que revoluciona el concepto creativo cinematográfico y ya, a finales del siglo XX, se ruedan películas en vídeo digital. A partir de 1975 el cine estadounidense entra en la nueva era que va a estar dominada por los blockbusters, el box-office; es decir, por la rentabilidad inmediata en taquilla de una película. Desde Tiburón (1975), de Steven Spielberg, hasta Spiderman (2002), de Sam Raimi, Hollywood va a estar pendiente de la ventas de entradas en el primer fin de semana. Esta nueva idea del negocio la consolida George Lucas cuando dirige La guerra de las galaxias (1977), todo un fenómeno cinematográfico —toda la saga- que se transforma en otro sociológico y de mercadotecnia. En este sentido también sorprende el éxito de Titanic (1997), de James Cameron, de The Matrix (1999), de Larry y Andy Wachowski, o los éxitos de El señor de los anillos. La comunidad del anillo (2001), de Peter Jackson, y Harry Potter y la piedra filosofal (2001), de Chris Columbus. Pero los grandes éxitos no pueden ocultar otras fracasos; quizás los más sonados fueron los de La puerta del cielo (1980), de Michael Cimino, y Waterworld, el mundo del agua (1995), de Kevin Reynolds. El cine del último tercio del siglo XX fue básicamente espectáculo, producciones que supieron aprovechar el tirón de series impulsadas por Steven Spielberg —uno de los grandes empresarios de Hollywood, además de gran director- y un grupo de directores que fueron consolidando su carrera a su sombra en películas diversas (En busca del Arca perdida, 1981; Regreso al futuro, 1985; Parque Jurásico, 1993; Los Picapiedra, 1994; Forrest Gump, 1994 ; y mucho cine de animación: ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, 1988; Antz/Hormigaz, 1998; Shrek, 2001). Espectáculo muy vinculado a las historias catastróficas (desde Aeropuerto, 1970, hasta Armageddon, 1998), al cine de terror sorprendente, paranormal, llegado del espacio (El exorcista, 1973; Poltergesit, fenómenos extraños, 1982; Alien, el octavo pasajero, 1979; El sexto sentido, 1999), la comedia e historias de terror juvenil (American graffiti, 1973; Scream: vigila que alguien llama, 1996; el proyecto de la Bruja de Blair, 1999), el cine bélico, histórico y político (Patton, 1970; Apocalypse Now, 1979; Salvar al soldado Ryan, 1998; Black Hawk derribado, 2002), la comedia familiar, romántica y disparatada (Solo en casa, 1990; Algo pasa con Mary, 1998; El diario de Bridget Jones, 2001; Aterriza como puedas, 1980; Loca academia de policías, 1984). Las nuevas herramientas tecnológicas, los nuevos hábitos de consumo de productos audiovisuales conducen a que el mundo del cine indague en todo lo que tiene que ver con la electrónica, la realidad virtual, la televisión, Internet y el mundo del videojuego. Desde Tron (1982), de Steven Lisberger, hasta El show de Truman (1998), de Peter Weir, eXistenZ (1998), de David Cronenberg, y The Matrix (1999), de los hermanos Wachowski, son tanto los temas de actualidad que se convierten en cotidianos a través de las historias que se construyen para el cine. Además toda la tecnología permite realizar a través de ordenador las nuevas producciones de animación que abordan diversos Estudios (Disney, Fox, Pixar, Dreamworks, etc.). Frente a todo este despliegue de fuegos artificiales, el cine tradicional consigue encontrar su hueco. Directores clásicos como Billy Wilder o Robert Altman, y otros intermedios como Francis Ford Coppola, William Friedkin, Woody Allen o Clint Eastwood, trabajan activamente al lado de otros más jóvenes y renovadores como Jim Jarmusch, Tim Burton, Steven Soderbergh y los hermanos Coen. Y todos ellos, dan entrada a las nuevas estrellas cinematográficas como Tom Cruise, Julia Roberts, Jodie Foster, Kevin Costner, Arnold Schwarzenegger, Harrison Ford, Sylvester Stallone, Sharon Stone, Brad Pitt, Bridget Fonda o George Clooney, entre otros muchos; el más vivo retrato del nuevo Hollywood.

http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque1/pag15.html

HISTORIA DEL CINE EN ESTADOS UNIDOS EN EL SIGLO XX

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martes, 27 de noviembre de 2007

HISTORIA DEL CINE SIGLO XX EN ESTADOS UNIDOS